Archivo para 28 febrero 2007

28
Feb
07

Osvaldo Fresedo – En FM Tango – 1950




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Osvaldo Fresedo
por Julio Nudler
http://www.todotango.com/spanish/creadores/fresedo.html

Nombre completo: Osvaldo Nicolás Fresedo
Designación: El Pibe de La Paternal
Músico, bandoneonista, director y compositor.
(5 de mayo de 1897 –

18 de noviembre de 1984)


Nació en Buenos Aires, en el seno de una familia de cómoda posición económica, lo que parece haberlo marcado artísticamente: su orquesta, de estilo refinado y aristocratizante, fue la preferida de los círculos elegantes.


Sin embargo, pese a que el padre de Osvaldo era un rico comerciante, cuando el niño tenía diez años la familia se asentó en La Paternal, un barrio algo apartado y humilde, de casas bajas y ambiente popular, lo que también gravitó en su destino.

Allí se inició en el bandoneón.

La suya fue la trayectoria más extensa que pueda hallarse en el tango: más de 1.250 grabaciones dan testimonio de ella.

Su presencia en el disco cubrió 63 años.

En 1913 comenzó a tocar en público como integrante de un terceto juvenil, del que también formaba parte su hermano
Emilio en violín, y que completaba una guitarra.
Además de animar celebraciones locales, actuaron en el café “Paulín”.

Tras presentarse en otros cafés del barrio empezó a ser identificado como “El pibe de La Paternal”, distinguiéndoselo así del también bandoneonista Pedro Maffia, conocido como “El pibe de Flores”, otro barrio de Buenos Aires, no muy distante.

No obstante, Fresedo nunca pudo rivalizar como ejecutante con Maffia.

Actuó luego en el cabaret Montmartre, invitado por su amigo
Eduardo Arolas, y después en el Royal Pigall, a instancias de Roberto Firpo.

Arolas y Firpo eran ya, en la segunda década del siglo XX, dos figuras fundamentales del tango como instrumentistas, directores y compositores.

En 1916, Fresedo conformó un antológico dúo de bandoneones con Vicente Loduca, grabando en 1917 para el sello Víctor. Uno de aquellos registros corresponde al tango “Amoníaco”, temprana obra suya.

Formó posteriormente un trío con el pianista
Juan Carlos Cobián y el violinista Tito Roccatagliata.

El encuentro entre Fresedo y Cobián (que cobraría enorme celebridad como compositor de “Los mareados“, “Nostalgias” y otras piezas) fue decisivo para la evolución orquestal del tango en los años ’20.

La delicadeza del gusto, los ligados, los suaves matices y los solos fantaseosos del piano apuntaban al oído de las clases altas, aunque llevando hasta ellas el mensaje musical del arrabal profundo, que siempre emergía en el arte fresediano.
También en 1917 había grabado para el sello Telephone como ejecutante en la orquesta dirigida por
Roberto Firpo y Francisco Canaro, que se había formado para animar bailes de carnaval en Rosario, la segunda ciudad de la Argentina, sobre el río Paraná.

Al año siguiente, Fresedo forma su primer conjunto, en el que intervienen, entre otros, el pianista José María Rizzutti (compositor de “Cenizas”) y el violinista Julio De Caro, que seis años después revolucionaría el género con su sexteto (y que compuso en homenaje a Fresedo el tango homónimo).

Fresedo actuó con tal éxito en el “Casino Pigall” que la suya se convirtió en la orquesta de moda.

Orquesta Osvaldo Fresedo


En 1921, contratado por la Víctor, viajó a Estados Unidos junto con el pianista
Enrique Delfino (quien sería el artífice del tango romanza) y el violinista Tito Roccatagliata para integrar, junto a otros músicos, la Orquesta Típica Select, que grabó medio centenar de temas.

A su regreso, Fresedo rearmó su sexteto, confiando esta vez el piano a Cobián. Nadie como ellos para instalar el tango en las veladas de los salones aristocráticos de Buenos Aires.

Entre 1922 y 1925 continuó grabando en Víctor, y luego, al pasar al sello Odeón, protagoniza un hecho histórico: acompaña a
Carlos Gardel en dos registros, los de los tangos “Perdón viejita” (del propio Fresedo) y “Fea“.

El sistema de grabación es aún el acústico.

En 1927 el éxito de Fresedo es tal que mantiene en actuación cinco orquestas al mismo tiempo, la principal de ellas en el cabaret Tabarís, sobre la calle Corrientes, la más importante de la ciudad.

Esto lo obliga a rotar permanentemente de un local a otro para asomar al menos en cada lugar donde toca una orquesta suya.

Una de éstas, que acompañaba los filmes mudos en el cine-teatro Fénix, del barrio de Flores, era dirigida desde el piano por Carlos Di Sarli, quien se convertiría en un director por lo menos tan exitoso como Fresedo y claramente influido por éste.

Fresedo tuvo la audacia de introducir en el tango timbres nuevos, como los del arpa y el vibráfono, y de utilizar discretamente la batería.

Eligió además con gran cuidado a sus cantores, que debían armonizar con la exquisitez de su estilo orquestal. Sobresalieron en su larga trayectoria los vocalistas Roberto Ray, Ricardo Ruiz, Oscar Serpa, Osvaldo Cordó, Armando Garrido y Héctor Pacheco.

Se apoyó también en músicos de talento, que como instrumentistas o arregladores aportaron calidad a la orquesta, como en los casos del pianista Emilio Barbato y los bandoneonistas Roberto Pérez Prechi y Roberto Pansera.

También el repertorio de Fresedo se enriqueció con las obras escritas por ellos, rara vez hallables en otros repertorios.

Como compositor, Fresedo fue prolífico y exitoso, pero generalmente superficial.

Su tango más célebre es el melodioso “Vida mía“, pero fueron también muy celebrados “Pimienta”, “Arrabalero“, “Tango mío“, “El once“, “El espiante“, los bellísimos “Aromas“, “Volverás”, “Sollozos” y “Siempre es carnaval“, “Ronda de ases“, “De academia”, “¿Por qué?” y “Si de mí te has olvidado“.

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Osvaldo Fresedo

Full Name: Osvaldo Nicolás Fresedo
Nickname: El Pibe de La Paternal (The kid from La Paternal)
Musician, bandoneon player, director and composer.
(May 5, 1897 – November 18, 1984)

Born in Buenos Aires to a wealthy family seems to have influenced his art: his orchestra, refined and aristocratic, was the favorite of upper circles.

However, despite Osvaldo’s father was a rich businessman, at the age of ten, his family moved to La Paternal, a neighborhood somewhat away and humble, with flat houses in a popular surrounding which had its effect on his destiny.

It was there where he started playing the bandoneon.

His was the longest tango career ever found: over 1,250 recordings along 63 years.

In 1913 he started public performances as member of a trio of youngsters, in which his brother
Emilio played the violin and a third member, the guitar. In addition to entertaining local parties, they played at “Paulin” café.

After performing in other cafés in the neighborhood, he began to be known as “El pibe de La Paternal” (The kid from La Paternal) as opposed to the other bandoneon player, Pedro Maffia, known as “El pibe de Flores” (The kid from Flores), another not too distant area of Buenos Aires. However, as player Fresedo was not rival for Maffia.

Then, he performed at Montmartre cabaret, invited by his friend
Eduardo Arolas, and then at the Royal Pigall, at the request of Roberto Firpo.

In the 20s Arolas and Firpo were already two major tango figures as instrumentalists, directors and composers.

In 1916, Fresedo jointly with Vicente Loduca formed a bandoneon duet which would be remembered forever, recording in 1917 for the Victor company. One of such recordings was the tango “Amoníaco”, an early work of his.

Later on, he formed a trio with the pianist
Juan Carlos Cobián and the violinist Tito Roccatagliata. The coming together of Fresedo and Cobián (who would become famous as composer of “Los mareados“, “Nostalgias“, among others) was decisive for the tango orchestra evolution in the 20s.

The refined taste, legatos, soft nuances and fancy piano solos were targeted to the upper class ears, though embodying the deep “arrabal” message of the suburbs, always present in Fresedo’s art.

Also in 1917, he would record as player, for Telephone recording company, in the orchestra directed by
Roberto Firpo and Francisco Canaro, previously organized to entertain carnival balls in Rosario, the second largest city in Argentina, on the Paraná river.

The following year, Fresedo organizes his first group formed, among others, by the pianist José María Rizzutti (composer of “Cenizas”) and the violinist Julio De Caro, that, six years later, already a sextet, would change the genre completely (composing, in homage to Fresedo, the homonymous tango).

Fresedo’s performances at Casino Pigall were so successful that his orchestra became the most fashionable.

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Orchestra Osvaldo Fresedo

In 1921, hired by the Víctor company, he traveled to the United States along with the pianist
Enrique Delfino (who would be the architect of the romance tango) and the violinist Tito Roccatagliata to join, with other musicians, the Orquesta Típica Select which recorded about fifty themes.

Back in Buenos Aires, Fresedo reassembled his sextet, this time entrusting the piano to Cobián. Nobody like them to set up the tango in Buenos Aires aristocratic ball rooms.

Between 1922 and 1925 he continued recording for Víctor and later on, with Odeón, he played a historic role: he joined
Carlos Gardel in two recordings: the tangos “Perdón, viejita” (by Fresedo himself) and “Fea“.

The recording system was still acoustic.

In 1927, Fresedo’s success was such that he kept five orchestras performing at the same time, the main of them at Tabaris cabaret, along Corrientes street, the most important street in the city. Thus he had to go from one location to the other at least to show himself at each place where one of his orchestras was performing.

One of these orchestras, which played in silent movies at Fénix cinema-theater in Flores neighborhood, was directed, from the piano, by Carlos Di Sarli who would become a director at least as successful as Fresedo and clearly influenced by him.

Fresedo dared to introduce new timbres and colors in tango, such as the harp and vibraphone, and to make a discreet use of drums.


He also selected his singers carefully to match the refinement of his orchestral style. In his long career worth mentioning are the vocalists Roberto Ray, Ricardo Ruiz, Oscar Serpa, Osvaldo Cordó, Armando Garrido and Héctor Pacheco.

He also relied on talented musicians who, with their instruments or arrangements, contributed quality to the band, such as the pianist Emilio Barbato and the bandoneon players Roberto Pérez Prechi and Roberto Pansera.

Fresedo’s repertoire was also enhanced with the works written by them, not usually found in other repertoires.

As a composer, Fresedo was both productive and successful, but in general superficial.

His most famous tango is the melodious “Vida mía” but also renowned were “Pimienta”, “Arrabalero“, “Tango mío“, “El once“, “El espiante“, the beautiful “Aromas“, “Volverás”, “Sollozos“, “Siempre es carnaval“, “Ronda de ases“, “De academia”, “¿Por qué?“, and “Si de mi te has olvidado“.

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28
Feb
07

Orquesta Escuela de Tango – De Contrapunto













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IX Festival

Buenos Aires Tango

RBerdi: El Diario del Tango

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Jueves 1 / Thursday 1

• 20:30 hs. Teatro Presidente Alvear

(Av. Corrientes 1659)

Orquesta Escuela de Tango

Concierto de despedida al Mtro. Emilio Balcarce

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Entrevista a Emilio Balcarce

(22 de febrero de 1918)


por José Pedro Aresi y Alberto Rasore

http://www.todotango.com/spanish/biblioteca/CRONICAS/entrevista_ebalcarce.asp

Solía decir Osvaldo Pugliese de él: «Tiene las esencias tangueras a flor de piel» y, en verdad, el maestro tenía mucha razón.

Emilio Juan Sitano, su nombre de familia, nació y se crió en Villa Urquiza, barrio en el cual aún hoy reside. Desde pequeño abrazó el tango que lo llevó con el tiempo a ser violinista, bandoneonista, compositor, arreglador y director de orquesta.

Fue precisamente en un alto de su labor al frente de la “Orquesta Escuela de Tango” que el maestro comenzó a contarnos sus vivencias.

«A mi viejo le gustaba mucho la música y como era muy inquieto comenzó a aprender a tocar el mandolín y, tiempo después, se entusiasmó con el acordeón. Todo mi entorno familiar hizo que me interesara por la música. En casa se escuchaba y bailaba el tango y así yo me fui enganchando con él desde muy pibe.

«Antes de cumplir los 7 años mi viejo me mandó a estudiar el violín y, mientras lo hacía, escuchaba la radio donde tocaban las orquestas de Roberto Firpo, Francisco Canaro, Francisco Lomuto y Osvaldo Fresedo que a mí me gustaban mucho; pero de pronto aparece Julio De Caro.

Al principio, uno no sabía para donde dar vuelta el oído, porque se encontraba con una cantidad de combinaciones musicales que no se oían normalmente en otras orquestas. Se percibían voces extrañas, acordes nuevos y todo esto me “engrampó” definitivamente con el tango y con ese estilo.

«En un principio, De Caro fue resistido, no era fácil seguirlo. Tampoco Canaro lo era. En cambio, Firpo era más musical y Fresedo más del tipo clásico. Pero de todos ellos, los que a mí me engancharon fueron De Caro y Pedro Laurenz, por su forma de expresarse con el bandoneón.

«Estudié violín hasta los 13 años y dejé porque las cosas se pusieron mal económicamente y mis padres no podían ya “bancarme”, pero para entonces yo estaba tan enganchado, que mientras escuchaba en la radio a De Caro, tocaba el violín al mismo tiempo que él.

«Recuerdo que papá compró un bandoneón y empezó a estudiar, pero como no tenía una base musical, le resultaba muy difícil aprenderlo. Como el instrumento estaba en casa, comencé a estudiar por mi cuenta sus escalas. Yo era todavía un pibe, pero me arreglé con los métodos de enseñanza que venían con él.

El bandoneón en sí es bastante caprichoso y nada fácil. Seguí con las escalas, la mano derecha, izquierda, abriendo, cerrando y con los dibujos que venían con el método y empecé a hacer algunos acordes. Quería entender como hacía Laurenz para expresarse y como hacía De Caro para “poner” esos acordes -de novena y de séptima- que no se usaban en la música popular.

Así fue como me enganché con el bandoneón, pero yo seguíatocando elviolín y con algunos vecinos formamos un trío para tocar en fiestas, que luego -agregando un contrabajo- lo convertimos en cuarteto.

«Comencé a tratar de hacer algunos arreglos, porque ya había aprendido algo sobre los principios de la armonía. Tendría 14 o 15 años cuando lo intenté sobre partituras de piano.

«Después me encuentro con Ricardo Ivaldi que tenía un sexteto que imitaba a De Caro.

Eran todos músicos semi profesionales y un día me ofrece hacerle algunos arreglos y reemplazar en el bandoneón a su hermano. Comencé entonces con Ivaldi, tocando en bailes, en confiterías y recuerdo haberlo hecho también en el balneario “El Indio” de Vicente López.

En el Cine Teatro 25 de Mayo de Villa Urquiza tocábamos en la apertura y en los entreactos de las obras teatrales. Es decir que a los 16 años ya hacía arreglos y tocaba el bandoneón y a los 17 formé un conjunto que integraban entre otros, Ismael Spitalnik, Ramón Coronel, que fue violinista de Horacio Salgán, Lalo Benítez que fue pianista de Alfredo Gobbi y empecé a trabajar con mi propia orquesta.

«El cantor era Alberto Marino -en aquel entonces Alberto Demari- a quien también llevé conmigo, cuando teniendo yo 19 años, me convoca Emilio Orlando para dirigir y hacer los arreglos de su orquesta. Es así como comencé a trabajar profesionalmente, haciendo arreglos para otras “típicas” y dirigiendo mi propia agrupación.

«Ya en 1943, dirijo por un año la orquesta de Alberto Castillo. Continúo también con mi propia agrupación, en la cual se suceden como vocalistas Jorge Durán en 1944, Amadeo Mandarino en 1945 y Osvaldo Bazán después, hasta que en 1947, Alberto Marino se independiza de Troilo y me convoca para encargarme de los arreglos musicales y la dirección de su propia orquesta.

«Al año siguiente, trabajé como orquestador para las formaciones de Aníbal Troilo, Alfredo Gobbi y José Basso, en tanto continuaba con mi orquesta, hasta que en 1949 me convocó Pugliese y ahí me “enganché” y permanecí 20 años.

«En la orquesta de Osvaldo éramos todos compositores y actuábamos a diario. Estábamos tan compenetrados que, con sólo mirarnos, sabíamos lo que el otro iba a hacer y sin más lo apoyábamos.

«¿Qué sentíamos cuando tocabamos “La yumba”? Sentíamos la fuerza rítmica y vital que tiene. Poníamos todas nuestras fuerzas en los arrastres, en la expresión; porque uno se siente vivo cuando está tocando. Pugliese se caracterizaba por tener una orquesta expresiva. Estimulaba a sus músicos para que compusieran y les exigía una entrega total, tanto es así que, mientras yo actué con él, no hice arreglos para otros directores, excepto cuando se trataba de mis propios temas.

«Con Pugliese las ideas y los trabajos se volcaban en la orquesta misma. Era muy redituable económicamente trabajar con él. Los ingresos se repartían según una valorización interna que iba de 7 a 11 puntos y que era asignado a cada integrante según su aporte. Trabajar con Osvaldo no era lo mismo que hacerlo en otras orquestas. Nosotros ganábamos más.

«El Sexteto Tango surgió como consecuencia de la falta de trabajo que había para ese entonces. El mismo Pugliese decía que era tiempo de achicar los conjuntos y de hecho muchos se disolvieron. Comenzamos a tocar sin abandonar la orquesta, pero el Sexteto impactó tanto, que los compromisos de trabajo aumentaron y ya no podíamos hacer las dos cosas. Por esa razón nos separáramos de Osvaldo.

«Con el Sexteto Tango hicimos algunos cambios. Cada uno de nosotros llevó sus cosas personales, que lógicamente tenían que ver con la expresión y con la manera de acentuar el ritmo.

Por ejemplo con Pugliese se acentuaba el primer y el tercer tiempo de los cuatro que tiene cada compás, en tanto nosotros -solamente por el hecho de buscar cosas nuevas- poníamos más énfasis en el segundo y el cuarto compás y, como éramos menos, tratábamos de lograr una manera más vigorosa de expresión; pero en general el ritmo era muy parecido al de Pugliese. No debemos olvidar que habíamos estado muchos años a su lado.

«De todas mis composiciones, la que más me conformó fue “La bordona” porque refleja la idea de un tango que cruza la frontera de la ciudad y es por eso que tiene un tema melódico con sabor campestre. En cambio, “Si soy brujo”, que fue mi tercer tema, es distinto, suena como más tango.

«Noto que la gente joven se está interesando por el tango, porque descubren que nuestra música gusta en todas partes del mundo y que tiene una manera muy particular de expresarse; ya sea en sus letras como en su música. Entonces todo esto despierta el interés de los más jóvenes.

Nosotros aquí recibimos pibes que vienen a conocer como era realmente el tango y hay que explicarles como llegó al nivel de los años sesenta y ahí se detuvo; porque después se destruyó todo lo que se había hecho.

«Se interrumpió el crecimiento de un tango que se transformaba de acuerdo a como crecía y cambiaba la gente de nuestro pueblo. “Pichuco” comenzó tocando de una manera distinta y cuando llegó a los 60 ya era otra cosa. Pugliese comenzó tocando igual que De Caro pero después fue evolucionando. Se iba poniendo a tono con el gusto del público, pero avanzaba musicalmente. Es algo muy complicado.

Por eso yo le digo a los chicos que ellos están fantásticamente preparados, pero tienen que sentirse que son argentinos y vivir nuestra música tal cual se hacía y, a partir de ahí, comenzar a hacer el tango de hoy. Deben asimilar el tango ya hecho, pero no me refiero al tango comercial nada más, sino al musical. Es necesario trabajar en el campo de la orquesta, porque los conjuntos evolucionaron de una manera increíble en 30 años. Luego se estancaron.

«¿Cómo hubiera tocado Pichuco hoy? Igual, no. Tampoco lo hubiera hecho Pugliese, ni Gobbi, ni nadie. Todos tuvieron una manera muy particular de tocar, pero musicalmente siempre evolucionaron y lo hicieron junto a la gente. ¿Qué se tocaba? ¿Qué se grababa? Lo que el público aplaudía. Hay que hacer un tango que se entienda. No complicarlo tanto. Una música que “enganche” a la gente.»

Nos despedimos así de Emilio Balcarce, un veterano laburante de nuestra música ciudadana, Académico de Honor de la Academia Nacional del Tango y que fuera distinguido con el Diploma a la Gloria del Tango por la Academia Porteña del Lunfardo.

El maestro debía continuar su labor con los alumnos de la Orquesta Escuela de Tango, donde desde el año 2000 vuelca su dilatada experiencia como músico y arreglador, ratificando de esta manera el mensaje que nos dejara para la juventud.



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Orquesta Escuela de Tango



La Orquesta Escuela de Tango nació por iniciativa del contrabajista Ignacio Varchausky, que encontró eco en el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires para la constitución de una formación juvenil, destinada a introducir a las nuevas generaciones de músicos populares en la interpretación de los diferentes estilos orquestales históricos del género (Troilo, Salgán, Pugliese, Di Sarli, D’Arienzo…)




El programa de estudios preve una permanencia de dos años de los músicos elegidos, a través de audiciones, para integrarla.

Desde su fundación, la orquesta está dirigida por Emilio Balcarce, violinista, arreglador y compositor, integrante de la orquesta de Osvaldo Pugliese durante dos décadas y fundador del Sexteto Tango.

En su plantel figuran Ramiro Gallo (solista y ayudante de violín), Andrés Linetzky (ayudante de piano), Federico Pereiro (solista, ayudante bandoneón), Nicolás Capsitsky (copista) y el propio Varchausky como coordinador del programa.

En sus seis años de existencia esta particular escuela se presentó en los escenarios locales y del exterior, y grabó dos discos.

En el 2005 llegó al cine de la mano del documental Si sos brujo (que remite al tango homónimo de Balcarce), de la directora estadounidense Caroline Neal, que registra el desarrollo del proyecto desde sus primeros días.

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Emilio Balcarce

88 years for talent.By Enrique Snider

Special for Let’sTanGO!

http://www.letstango.com.ar/main/emilio.php


He usually turns to glance at the audience while he’s conducting, strengthening the powerful and invisible bond that connects him with the people.

A link that maestro Emilio Balcarce generates every time he is conducting the Orquesta Escuela de Tango (Tango School Orchestra), with an admirable dedication to work and a constant worry about quality.

With his frank look, warm words, and friendly manners, the maestro shows his talents and ability to conduct the orchestra, playing the solo bandoneon and making arrangements on his own compositions.

Backstage, his pupils at the Orquesta Escuela, who are more than 50-year younger, admire him, respect him and follow the path of affection that Don Emilio marked during his 88 years of life he’s about to celebrate next February 22.

The first instrument he played was the mandolin from his birth-home. Soon, he played the violin, which characterized a great part of his career. In the last years, he took the bandoneon between his hands and, due to his talent; those who don’t know about his past with the violin might think there were no other instrument before.

He assumed the conduction of the Orquesta Escuela in 2000, with enthusiasm and worried about the challenge it meant. But the enthusiasm was stronger: he made several arrangements for the band and dedicated a theme to the orchestra: A la Orquesta Escuela.

It’s difficult to think about the Orquesta Escuela without the advice, the indications, and the right words given by this fellow citizen from Villa Urquiza, who has been declare illustrious citizen of his neighborhood and the city of Buenos Aires.

La Transa, Bien Compadre, De Contrapunto, La Bordona, maybe his most popular themes, are precious pearls in the repertory of the orchestra he conducts. And Mal de Amores, by Pedro Laurenz, is performed nowadays with an arrangement made by Balcace for the orchestra.

Each performance is followed by a faithful audience, a gang that looks for that accomplice gesture, a link beyond sounds, a relationship that continues in the applauses and the acclamations.

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28
Feb
07

" Si sos brujo, una historia de tango" – Documental



Si sos brujo, una historia de tango


(Argentina/2000-2005)


Dirección: Caroline Neal

Documental con Ignacio Varchausky, Emilio Balcarce, Julián Plaza, José Libertella, Ernesto Franco y otros.

Guión: Caroline Neal y Alberto Muñoz.

Fotografía: Marcelo Lavintman y Diego Poleri.
Montaje: Caroline Neal.
Presentada por Primer Plano Film Group.
Hablada en español e inglés.
Duración: 79 minutos.

Nuestra opinión: excelente

Un documental puede ser bueno o muy bueno por cualquiera de dos principales motivos, o mejor todavía por la suma de ambos: el interés que genera el tema elegido y cómo el cineasta consigue ponerse a la altura del tema, incluso a veces (es casi un imposible) superarlo con su talento para describirlo, logrando un valioso aporte al lenguaje cinematográfico.

Este es uno de los casos en que se juntan esas dos primeras razones. El tema elegido por la debutante -norteamericana, pero después de armar su familia aquí bastante porteña- Caroline Neal, es la Orquesta Escuela de Tango, que depende de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

La idea de un documental acerca del proyecto de Ignacio Varchausky, contrabajista de la orquesta El Arranque, coincidió con la presentación mundial de “Buena Vista Social Club”, esa memorable película de Wim Wenders y Ry Cooder, acerca de un grupo de veteranos soneros cubanos -con Ibrahim Ferrer a la cabeza- y de cómo más allá del olvido a que fueron sometidos por distintos motivos, salieron de la oscuridad y con toda su fuerza, a conquistar el mundo.

En este caso se trataba de seguir el deseo de un grupo de músicos jóvenes por rescatar antes de que fuese demasiado tarde, el conocimiento de quienes fueron parte de esas memorables orquestas típicas de los años 40 y 50, casi sin excepción ya jubilados. Neal, guiada por Varchausky, sigue una historia que comienza con un sueño y termina con una realidad que deviene paradigma: rescatar lo mejor del pasado para transmitírselo a las nuevas generaciones.

La Argentina, un país que se caracteriza por un empeño de igual fuerza, pero al revés, perverso si se quiere, el de destruir la memoria y las grandes obras de su historia artística (el cine, la arquitectura, y la música, por lo visto), necesita trabajos como los de Varchausky y registros como el de Neal, hoy más que nunca, antes de que sea demasiado tarde.

El recorrido es fluido y apasionante.

El encuentro de Varchausky con el maestro Emilio Balcarce, célebre violinista, bandoneonista y arreglador de tiempos de Osvaldo Pugliese y autor el mismo de tangos como “La bordona” y el que presta título al documental, es el punto de partida a una historia que muestra, además, a muchos otros jóvenes con el mismo deseo.

Uno de esos casos es el del violinista Ramiro Gallo que también fue integrante de El Arranque, antes de formar su propio quinteto, y su trabajo cotidiano, mano a mano con estos grandes que no hacen otra cosa que transmitir sus experiencias y conocimientos no escritos a quienes pueden convertirlos armas didácticas para los que vendrán.

Además de ocupado en el trabajo con Varchausky, en un tramo muy logrado, se lo ve a Gallo montado en su bicicleta paseando por Buenos Aires, con “Sur” (de la “Suite Borgeana”) que él mismo presentó en Nueva York junto a Wynton Marsalis, como fondo.

El mismo Marsalis aparece después entrevistado, comentando la importancia de la tarea de rescate que él mismo lleva adelante, con base en el Lincoln Center.

Desfilan, uno tras otro, los estilos de Pugliese, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Astor Piazzolla, Carlos Di Sarli, Leopoldo Federico, Alfredo Gobbi, Osvaldo Fresedo y Juan D´Arienzo, entre otros, algunos de los grandes maestros que estos músicos, veteranos (también maestros) y jóvenes, se empeñan en estudiar intensivamente.

Los resultados van apareciendo y son, realmente, maravillosos. La lista de los participantes es extensa: desde los recordados Julián Plaza y Pepe Libertella, hasta Ernesto Franco, Néstor Marconi, Atilio Stampone y Raúl Garello, Víctor Lavallén, Celso Amato, Luis Stazo, Horacio Cabarcos, Gustavo Beytelmann y Guillermo Durante, entre otros.

Sin embargo, la cámara de Neal, y el guión de ella misma con el poeta, músico y dramaturgo Alberto Muñoz (el mismo de “Okupas”), hacen foco en la figura de Balcarce, director de la orquesta-escuela, en sus presentaciones en París y en el Teatro Colón y en su presente, a los 88 años, todavía con ganas -y muchas- de tirar para adelante. “Si sos brujo…”, es una de esas obras que, además tienen una virtud muy especial: la de entusiasmar, incluso, a los que no son particularmente amantes del tango, si bien a estas alturas es difícil encontrar un oído sensible que pueda resistirse a tanta pasión.

Claudio D. Minghetti
20 de abril del 2006
http://www.lanacion.com.ar/Archivo/nota.asp?nota_id=798838


27
Feb
07

La Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires – En Vivo en el Colón – 2001

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IX Festival Buenos Aires Tango





RBerdi: El Diario del Tango
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Viernes 2 – Friday 2

• 20:30 hs. Teatro de la Ribera (Av. Pedro de Mendoza 1821)

Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires
Dirección: Mtro. Raúl Garello y Alberto García Villafañe
Cantantes invitadas:Anna Saeki y Noelia Moncada


La Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires -organismo estable de la Secretaría de Cultura del Gobierno porteño- realizó su debut el 2 de febrero de 1980 en la sala Juan Casacuberta del Teatro Municipal General San Martín.

Desde entonces, lleva 22 años actuando ininterrumpidamente en la avenida Corrientes y en las principales salas de la ciudad.

Dirigida desde su creación por los maestros Carlos García y Raúl Garello, se ha presentado también en distintos puntos de la Argentina y en varios países de América: Chile, Uruguay, Brasil, Colombia, Costa Rica, Panamá y México.

La Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires grabó además dos discos; el más reciente -En vivo en el Colón- acaba de ser editado en co-producción con Epsa Music y registra la noche de 9 de diciembre de 2001 en la cual el organismo inauguró oficialmente la Semana del Tango en el Teatro Colón bajo la dirección de los maestros García, Garello y, en calidad de invitados, Atilio Stampone y Julián Plaza. Se presentó también el gran solista de violín Fernando Suárez Paz.

Las regalías de la venta del disco están y continuarán siendo destinadas al Programa Dando un mano de Cáritas Argentina-Buenos Aires.

Los directores:


Carlos García

Es pianista, director, compositor y arreglador.

Nació en 1914 y, entre 1920 y 1926, realizó sus primeros estudios musicales junto a Mariano Domínguez. Más tarde, se perfeccionó en piano, armonía, contrapunto, fuga, composición e instrumentación con el maestro Pedro Rubiones.

Tras sus primeras actividades profesionales en 1926, integró en 1932 la Orquesta de Roberto Firpo y el conjunto que acompañaba a Mercedes Simone.

Entre 1938 y 1946 se dedicó a la música folclórica argentina y americana y formó parte de las orquestas Hawaian Serenaders, Efrain Orozco, Alberto Castellanos y del trío que completaba con Martínez-Ledesma.

Desde 1946 hasta 1960, se abocó a la docencia y realizó aisladas actuaciones como solista y acompañante de destacados cantantes.

A partir de 1960 se desempeñó como asesor musical de LS1 Radio Municipal y, más tarde, del sello discográfico EMI Odeón.

Entre las numerosas giras que realizó por el interior del país y el extranjero, se destaca la que llevó al frente de su Gran Orquesta por cuarenta ciudades de Japón.

Héctor Pacheco, Ramona Galarza, Alberto Marino, Rubén Juárez, Francisco Llanos y Guillermo Fernández son, entre otros, algunos de los destacados cantantes a los que acompañó y dirigió en grabaciones, giras y conciertos.

Entre su amplia discografía, sobresalen sus exquisitos discos de piano solo y la grabación de Orquesta y guitarra junto a Roberto Grela.

Desde 1980 dirige, con Raúl Garello, la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires.

Raúl Garello
Es bandoneonista, director, compositor y arreglador.

Nació en Chacabuco, provincia de Buenos Aires, en 1936.

Realizó estudios de armonía, fuga y contrapunto con Juan Schultis y Pedro Rubiones.

A los 18 años, se incorporó a la Orquesta de Roberto Firpo (h) y luego a las filas de Carlos Dante, Alberto Morán y Horacio Salgán.

En 1963, ingresó como bandoneonista a la Orquesta de Aníbal Troilo, en la que se desempeñó también como arreglador, faceta que lo destaca entre los orquestadores de su generación y que desarrolló también para las formaciones de Leopoldo Federico, Baffa-Berlingieri y Enrique Mario Francini.

Al frente de su gran orquesta, acompañó en grabaciones a los cantantes de mayor prestigio: Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Floreal Ruiz, Roberto Rufino, Rubén Juárez, Susana Rinaldi y Eladia Blázquez, entre muchos otros.

Realizó numerosas giras, entre las que se destacan las que protagonizó junto a la Orquesta Sinfónica de Toulouse, el bailarín Jorge Donn y el Ballet de Maurice Béjart por Suiza y Francia.

En 1992, fue convocado por la Orchestre du Capitole de Toulouse, dirigida por Michel Plasson, para escribir y grabar quince orquestaciones propias sobre obras de Carlos Gardel.

Entre su amplia labor discográfica, se destaca el disco de homenaje a Woody Allen realizado junto a Horacio Ferrer.

Desde 1980, dirige, junto a Carlos García, la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires.

Los integrantes:

Actualmente la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires está integrada por los siguientes músicos:

Directores: Raúl Garello y Alberto García Villafañe

Violines: Leonardo Ferreyra (solista) Mario Arce (solista) Gustavo Pontoriero (solista) Miguel Condomi Eduardo Malaguarnera Alberto García Villafañe Irene Cadario Fabián Bertero Daniel Tou Cecilia Barraquero Gabriel Rivas

Violas: Luis Paz (solista) Pablo Maglia Lázaro Alvarez

Cellos: Roberto Segret (solista) Eduardo Gatinoni Rubén Pagano

Bajo Eléctrico: Gabriel De Lío

Contrabajo: Angel Bonura

Guitarra: Aníbal Arias

Piano: Andrés Linetzki

Bandoneones: Julio Pane (solista) Osvaldo Montes Antonio Príncipe Carlos Corrales Pablo Mainetti

Batería y Percusión: José María Lavandera

Flauta: Miguel Angel Cosentino Luis Ferreyra

Presentaciones: Oscar del Priore

La formación original:

En el momento de su creación, la Orquesta del Tango de la ciudad de Buenos Aires estuvo integrada por los siguientes músicos:

Directores: Carlos García Raúl Garello
Violines:Hugo Baralis Aquiles Aguilar Mario Arce Simón Broistman Alberto del Bagno Alberto García Villafañe Juan Carlos Roqué Alsína Alfredo Hess Violas: Adrián Pucci Washington Williman Violoncellos: Daniel Pucci Carlos Giovanacci Bajo Eléctrico: Gabriel De Lío Contrabajo: Héctor Console Guitarra: Aníbal Arias César Urruty Piano: Andrés Linetzki Bandoneones: Julio Ahumada Dino Saluzzi Néstor Marconi Antonio Príncipe Batería y Percusión: José Corriale Alberto Alcalá Flauta: Miguel Angel Cosentino Arpa: Etelvina Chinicchi Órgano: Jorge Kenny Cantor: Francisco Llanos Nacha Roldán Hernán Salinas Presentaciones: Oscar del Priore


Maestros invitados:

A lo largo de su historia, la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires fue dirigida, en calidad de invitados, por los maestros Horacio Salgán, Leopoldo Federico, Atilio Stampone, Julián Plaza, Osvaldo Berlingieri y Osvaldo Pïro, entre otros.

———–

La Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires

—- En Vivo en el Colón – 2001

Directores:

Raúl Garello- Temas: 01, 02, 03, 04 y 10
Carlos García – Temas: 11, 12 , 13 y 14


Directores Invitados:

Julian Plaza – Temas: 05, 06, 07, 08 y 09
Atilio Stampone – Tema: 15

Fernando Suarez Paz: violín solista en tema 1o

Temas:

01 – Libertango (A. Piazzola).mp3
02 – Ojos Negros (V.Greco).mp3
03 – Selección De J. De Caro (J. De Caro).mp3
04 – Azabache (E. M. Francini – H. Stamponi).mp3
05 – Payadora (J. Plaza).mp3
06 – Danzarín (J. Plaza).mp3
07 – Melancolico (J. Plaza).mp3
08 – Loco de Contento (J. Plaza).mp3
09 – Nocturna (J. Plaza).mp3
10 – El Día Que Me Quieras (C. Gardel).mp3
11 – La Yumba (O. Pugliese).mp3
12 – Don Juan (R. Podestá).mp3
13 – Oblivion (A. Piazzola).mp3
14 – La Cumparsita (G. M. Rodríguez).mp3
15 – Taconeando (P. Maffia).mp3

Link:

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27
Feb
07

Orquesta Típica Victor – Selección de sus Grabaciones – Desde 1923 a 1934


Orquesta Típica Victor

Cuando a los directivos del sello discográfico se les ocurrió la formación de una orquesta que representara a la empresa, recurrieron a un pianista de formación clásica, que aún no había incursionado en el tango: Adolfo Carabelli.

La primera formación elegida por Carabelli, y que debutara con la grabación de dos, tangos el 9 de noviembre de 1925: “Olvido”, de Ángel D’Agostino y “Sarandí” de Juan Baüer, era la siguiente:

Bandoneones: Luis Petrucelli, Nicolás Primiani y Ciriaco Ortiz; violines: Manlio Francia, Agesilao Ferrazzano y Eugenio Romano; piano: Vicente Gorrese; y contrabajo: Humberto Constanzo.

La conformación de la orquesta era muy variable, los músicos eran reemplazados de continuo, pero todos ellos de excelente nivel.

Es así que algunos expertos reconocen, en determinadas grabaciones, el violín de Elvino Vardaro, por ejemplo. Otros nombres importantes que pasaron por la orquesta fueron: los bandoneones de Federico Scorticati, Carlos Marcucci y Pedro Laurenz; Orlando Carabelli, hermano del director y Nerón Ferrazzano en contrabajo; en violines, Antonio Buglione, Eduardo Armani y Eugenio Nobile. También desfilaron por la orquesta: Cayetano Puglisi, Alfredo De Franco y Aníbal Troilo, en algunas oportunidades.

————

Orquesta Típica Victor

When the officials of that record company had the idea of putting together an orchestra that would represent the corporation, they turned to a pianist classically trained, who had not yet played tango: Adolfo Carabelli.

The first setting chosen by Carabelli, and that made its debut recording two tangos on November 9, 1925: “Olvido”, by Ángel D’Agostino, and “Sarandí” by Juan Baüer, was the following:

Bandoneons: Luis Petrucelli, Nicolás Primiani and Ciriaco Ortiz; violins: Manlio Francia, Agesilao Ferrazzano and Eugenio Romano; piano: Vicente Gorrese; and double bass: Humberto Constanzo.

The composition of the orchestra changed very often, the musicians were continuously replaced, but they all were of an excellent level.

So that so that some experts recognize, on certain recordings, the violin of Elvino Vardaro, for example. Other important names that passed through the ranks of the orchestra were: the bandoneon players Federico Scorticati, Carlos Marcucci and Pedro Laurenz; Orlando Carabelli, brother of the leader, and Nerón Ferrazzano on double bass; on violins: Antonio Buglione, Eduardo Armani and Eugenio Nobile. Cayetano Puglisi, Alfredo De Franco and Aníbal Troilo were also included in the orchestra on some occasions.
————

Temas

01-Orquesta Tipica Victor – El porteñito – Instrumental.mp3

02-Orquesta Tipica Victor – El choclo – Instrumental.mp3

03-Orquesta Tipica Victor – Bronca rea – Instrumental.mp3

04-Orquesta Tipica Victor – Chorra – Instrumental.mp3

05-Orquesta Tipica Victor – Flor de Fango – Instrumental.mp3

06-Orquesta Tipica Victor – Recuerdo – Roberto Diaz.mp3

07-Orquesta Tipica Victor – Barra universitaria – Instrumental.mp3

08-Orquesta Tipica Victor – Niño Bien – Instrumental.mp3

09-Orquesta Tipica Victor – Coqueta – Instrumental.mp3

10-Orquesta Tipica Victor – Paja brava – Instrumental.mp3

11-Orquesta Tipica Victor – Vieja Calesita – Instrumental.mp3

12-Orquesta Tipica Victor – La rosarina – Instrumental.mp3

13-Orquesta Tipica Victor – La victrolera – Vicente Crisera.mp3

14-Orquesta Tipica Victor – Pato y negro – Roberto Diaz.mp3

15-Orquesta Tipica Victor – Quiero papita – Alberto Gomez.mp3

16-Orquesta Tipica Victor – Secreto – Luis Diaz.mp3

17-Orquesta Tipica Victor – Malquerida – Instrumental.mp3

18-Orquesta Tipica Victor – Viejo rincon – Instrumental.mp3

19-Orquesta Tipica Victor – La cumparsita – Instrumental.mp3

20-Orquesta Tipica Victor – Solterona – Instrumental.mp3

21-Orquesta Tipica Victor – La pueblera – Instrumental.mp3

Link:

http://rapidshare.com/files/18601639/RBerdi_Orquesta_Tipica_Victor-Seleccion-1923al1934.rar.html

——-

Antes habiamos colocado otra selección:

Orquesta Típica Victor – 1926 – 1940

http://rapidshare.com/files/12499025/RBerdi_Orquesta_Tipica_Victor-1926-1940-RemasterizadoSuiza-1996.rar.html

26
Feb
07

Gustavo Santaolalla – Soluna – Energia Natural – 1994


Gustavo Santaolalla
¿Cuando y como conocí a
Gustavo Santaolalla?

En 1968 yo había pasado al Hospital Durand de Buenos Aires como jefe de consultorio, y volvía de una sala hacia mi lugar.Llego y una enfermera me dice: vaya a ver quien lo espera en su consultorio. Le pregunto quien es y no me quiere decir.
Bueno, intrigado voy y me encuentro con un grandote melenudo y con una gran barba . Me dice que un músico conocido mío me recomendó y por esa razón él vino a verme.

Comienzo a hacer la historia clínica y entonces me dice su nombre y ahí me di cuenta recién quien era.

Al poco tiempo nos hicimos bastante amigos y me invitó al estreno de su nuevo grupo llamado Soluna (corria el año 1968,1969 o algo mas, la verdad es que no recuerdo con exactitud).

Timidamente me dijo ” No se si le va a gustar”.

Fuí al estreno. realmente una música de gran calidad y con arreglos corales de igual magnitud.

Al terminar le expresé mi admiración y me dijo que a la semana siguiente, dada la repercusión en el público (el teatro estaba lleno y se habian agotado las localidades) iban a repetir el espectáculo y si queria volver.
Por supuesto le dije que sí.

Y volví, pero la función se había suspendido dado que a Alejandro Lerner (que en ese momento tenía 15 años) lo operaron de urgencia de apendicitis.

A la semana siguiente, ya con Lerner recuperado! se repitió a sala llena el programa.

Yo, caradura, le pedí si podía grabar la función (lo que no estaba permitido) y me dijo que sí !!

Recién en 1994 Emi Odeon sacó a la venta el Cd a partir de una grabación realizada en 1977 (un año antes que él se fuera del país).

Creo que en la actualidad no esta en venta o fuera de catálogo.

Es el único disco que grabó Soluna.

Y así siguió nuetra amistad hasta que se radicó en Los Angeles (EE.UU.) (1978)

RBerdi
————–

Gustavo Santaolalla – Soluna – Energía Natural

— Todos los temas pertenecen a G.Santaolalla.
Excepto 01 de Oscar Amante y Carlos Botto. 05 de Ricarlo Libman y 10 de Alejandro Lerner.

.

Integrantes:

Gustavo Santaolalla:
-Voz solista y coros. Guitarra española, eléctrica y acústica. Harmónica.

Alejandro Lerner:
-Piano eléctrico y acústico. Organo y sintetizadores.

Oscar Amante :
-Guitarra acústica y charango. Percusión. Voz solista y coros.

Mónica Campins:
-Coros, organo y dulcimer.

Sergio Polizi : Violín.

Ricky Libman : Bajo y coros.

Horacio Gianello: Bateria y percusión.

Roberto Valencia: Berimbao y percusión

.

—Invitados:

Charly Garcia: Teclados en 3 y 7

Maurucio Veber: Cello en 5

Rody Ziliani: Acordeón en 10


Temas:

01. Esperame encendida.mp3

02. Mañana puede ser el día.mp3

03. Ella despertaba.mp3

04. Voy a hacer las paces.mp3

05. Sin zapatos es mejor.mp3

06. Si el manzano duerme.mp3

07. Detrás de la valla.mp3

08. Una vida para amar.mp3

09. El terror de la abuela.mp3

10. Detrás del vidrio roto.mp3

11. Energía natural.mp3


Link:

TangoRBerdi_Sol-EnerNat.rar

.

26
Feb
07

Gustavo Santaolalla – Ganador del Oscar 2007 – Banda Sonora


El argentino Gustavo Santaolalla

ganó el Oscar a la mejor música

original gracias a ‘Babel’,

el segundo en su carrera tras vencer

en la misma categoría hace un año.



Santaolalla, que definió ‘Babel’ como “una película que nos ayuda a entender quiénes somos”, dedicó el premio “a Argentina y una vez más, para todos los latinos” al recoger la estatuilla de manos de la actriz española Penélope Cruz.

También aspiraban al premio el español Javier Navarrete por ‘El laberinto del fauno’ y otros

‘Babel’ ha supuesto la tercera colaboración entre Santaolalla y el director mexicano Alejandro González Iñárritu, tras ‘Amores perros’ (2000) y ’21 Grams’ (2003). ‘Diarios de motocicleta’ (2004), del brasileño Walter Salles, y ‘Brokeback Mountain’ (2005), que le reportó su primer Oscar, son otros de sus trabajos.

————

Entrevista a Gustavo Santaolalla

por Javier Aguirre, para Página/12.
Año 2003

El productor, radicado en Los Angeles, está mostrando aquí “Bajofondo Tango Club”, su proyecto tanguero–electrónico.

Después de haber trabajado durante los ‘90 como artífice y operador del estallido del rock latino –produciendo a bandas como Café Tacuba, Divididos o Bersuit Vergarabat, y “descubriendo” jóvenes talentos como Arbol, La Zurda e inclusive Juanes– el vuelco de Gustavo Santaolalla hacia la fusión entre tango y música electrónica fue, en cierto modo, volver a la música en primera persona.

Como principal chofer del colectivo Bajofondo Tango Club –que ayer concretó una nueva presentación porteña en El Rosedal de Palermo , con entrada libre–, que también integran músicos de orígenes disímiles como el ex rapper uruguayo Juan Campodónico, el tecladista y productor Diego Vainer y el músico electrónico Luciano Supervielle.

Además, claro, de las participaciones de artistas como Jorge Drexler, el bandoneonista Pablo Mainetti, el violinista Javier Casalla, la cantante Adriana Varela y el pianista Adrián Iaies.

El desafío artístico de llevar al vivo un experimento musical que aplicó al tango la cultura rítmica del trip hop y el método “hazlo tú mismo (en tu PC)” del cut&paste, conlleva riesgo. Santaolalla lo sabe y lo disfruta:

“acá hay algo, lo sé, y me encanta; queda mucho por investigar”.

Y, después de una semana en la que prácticamente debutaron en vivo con shows en Montevideo, Pinamar y dos discotecas porteñas –su historial anterior sólo registraba algunas apariciones especiales y un único concierto, el que fuera su presentación oficial, en el Abasto–; el paso por el espacio abierto de Palermo tiene final abierto.

–¿Considera a Bajofondo más cerca de la música experimental que de la música popular?

–Lo veo en el medio. Hay temas absolutamente populares, y otros con elementos mucho más experimentales. No quisimos quedarnos en un solo estilo; de hecho en el disco hay house, trip hop, drum ‘n’ bass… No queríamos tener ningún tipo de prejuicios, poder acercarnos a la electrónica y al tango sin inhibiciones.

–¿Se topó con prejuicios provenientes de las escenas del tango, o de la electrónica?

–Los ortodoxos y conservadores están en todos lados, y alguno dirá “esto no es tango”, o “esto no es música electrónica”. Cualquier tipo con esa mentalidad, a mí mucho no me va. Pero hasta ahora, si bien el proyecto no es muy conocido, las opiniones han sido muy buenas.

Igual, nosotros no estamos aspirando a hacer “el nuevo tango” sino crear un lenguaje que represente una visión contemporánea de la vida en las urbes del Río de la Plata.

Aunque por otra parte, desde Piazzolla, no ha habido renovación en el tango, salvo los que son, digamos, sus hijos. Y la renovación que sí hay en el tango tiene que ver con gente que fue más atrás en el tiempo, a las fuentes, como Adriana Varela o Daniel Melingo.

Lo peligroso es, buscando lo moderno, terminar siendo modernoso.

–¿Qué lugar ocupa el baile en un concierto de Bajofondo?

–Vimos una pareja de gente grande bailando tango durante “Perfume”, que es un tema house. Si hay algo que tienen el común el tango y la electrónica es el baile.

Cuando diseñamos la música trabajamos mucho en los beats, en la línea de bajo; para que no fuera simplemente un loop de batería electrónica, un acorde menor y un bandoneón.

Queremos que sea un lenguaje con elementos profundos de cada música. En realidad, es algo muy nuevo. Y así como el disco lo tenemos muy claro, lo que pasa con la presentación en vivo está en plena evolución. Y como es un proyecto muy abierto y en movimiento constante –puede haber seis músicos en escena, o sólo un DJ o un tipo con una computadora– cada concierto propone cosas distintas.

–¿Siente que “inventaron algo”?

–No sé cómo se verá con el tiempo, o en el mundo; pero para nosotros, sí. Es el principio de algo, tenemos montones de ideas para explorar.

Vamos a hacer un disco solista de Supervielle, que será el primer desprendimiento de Bajofondo, y después vendrá otro, de Campodónico.

Y queremos investigar en la poesía. Hay mucho por delante en estos códigos y estos parámetros estéticos. Proponemos un nuevo partido, y creo que abrimos una puerta. Al menos para nosotros mismos.




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